南宋绘画最大的特点是什么

南宋绘画出现了明显的画风变化，重视章法的剪裁，巧妙地利用画面大片空白突出鲜明的形象，画面效果含蓄凝练，简洁而富有诗意，具有优美的意境，这就是侘寂。

南宋时期，画家们对于日常之美多有关注，大多与他们游历山川创作的写实作品有关，然而在多数作品中，我们竟可发现南宋画家作画的相同特点，诸如作品中大量的留白效果，画家擅于使用“马一角、夏半边”的边角构图技巧，这些极度空灵的作画状态，显现了当时画家们主张自然，崇尚简约的生活态度，更体现出他们淡泊明志、宁静致远的人生观。画家喜欢在作画时体现侘寂的美学观，侘寂包含了世界，画家通过了解自我的世界，进而找到世界的全部，甚至整个宇宙天地。

侘寂（wabi-sabi）是日本传统文化中特有的美学意识，为战国时期日本茶道家“千利休”所提出的概念。14世纪日本茶道家“千利休”开始将侘寂与茶道结合，并使用极简朴素来代替奢华贵重的茶具，使人感受侘寂之美，这是侘寂美学的缘起。

一般而言，侘寂是指空虚寂寞的枯淡美感，是以极简作为美学的核心宗旨，体现了粗糙、不完美、不圆满、不恒久、低调的状态，在今天也泛指朴质、空寂、自然等意涵，这种美学形式应用在茶道上便有不追求修饰，崇尚简单，保有本质精神的意涵。

禅宗里也谈侘寂之美，该意涵源于小乘佛教中的三法印，亦即诸行无常、诸法无我、涅盘寂静，这是禅宗里探讨人生无常、无奈的哲学思想，因此侘寂也可作“禅寂”解释。

禅宗里的侘寂是一种不重视装饰的美学形式，其也被称作“事物的禅”，这是日本人面对事物所保有的极简态度，是他们的思想状态，也是他们的世界观。近代，侘寂的美学意识不仅体现在日本的禅宗、茶道，更在日本庭院中得到充分的实践，特别是枯山水庭院的风格表现，将其理念发挥到极致。从禅宗衍生出来的侘寂美学，有一种“去掉所有不必要的”理念意涵，由此显现出侘寂美学与禅宗密不可分的关联。

南宋画家牧溪，其作品在中国遗留较少，多流传至日本，江户时代日本的收藏家甚至将牧溪的作品视为珍宝,而后，牧溪的作品更在日本绘画史中获得崇高的地位。日本《松斋梅谱》评价牧溪的画作为：“皆随笔点墨而成，意思简当，不费装缀。”这种侘寂的美学意识大大显现在牧溪的画作中，例如《松猿图》、《潇湘八景图》、《远浦归帆图》、《六柿图》等等都表现了侘寂之美，特别是《松猿图》对日本的禅画影响最深。

又如另一南宋画家梁楷，其画作也具备禅画的特质，例如《六祖斫竹图》、《泼墨仙人图》、《太白行吟图》、《疏柳寒鸦图》、《释迦出山图轴》等等。元代夏文彦在《图绘宝鉴》中曾评价梁楷的作品，他说道：“梁楷，东平相羲之后。善画人物、山水、道释、鬼神，师贾师古，描写飘逸，青过于蓝。嘉泰间画院侍诏，赐金带，楷不受，挂于院内而去。嗜酒自乐，号曰梁风子。院人见其精妙之笔，无不敬伏，但传于世者皆草草，谓之减笔。”

除此之外，其他的南宋画家，虽无画禅之意，但画作中同样显现了这种侘寂的美学观，与禅画具有异曲同工之妙。画作中大量的留白，突显出多种的象征意涵，诸如马远的《山径春行图》，马麟的《荷香消夏图》，夏圭的《溪山清远图》，萧照的《山腰楼观图》等等。

由此可知，侘寂美学之所以受到南宋画家们的喜爱，大多是与顺应心灵，再现自然、不矫情做作的残缺美感有关。画家通过观其外界，体悟生命之美，并感知看尽势态繁华的人生态度，既画禅，也修佛，这种充满岁月感的侘寂画作，通过南宋画家笔下的这种苍凉、极简的笔墨氛围，将侘寂的美感发挥的淋漓尽致。